Exclusão incluída - Reflexões sobre o mural de Eduardo Kobra na biblioteca da FFC

Há quase um século, Walter Benjamin definia o “choque” como elemento central da estética dadaísta. E o choque era o tiro de misericórdia na arte tradicional, ou arte “aurática”, conforme a expressão do autor, a já moribunda arte dos museus, socialmente fundada na posse privada dos objetos de arte e, portanto, inacessível às grandes massas populares.

Nessa arte tradicional, a obra de arte era objeto de uma espécie de culto religioso secularizado. A única interação possível entre observador e obra era a da pura contemplação, na qual uma espécie de campo de força intransponível, que ele chamou de “aura”, separava terminantemente o observador, impassível e imperturbável, do objeto artístico sacralizado.

É exatamente essa aura que o dadaísmo tentava liquidar. Para isso, a obra de arte era deslocada da condição de objeto de adoração passiva para tornar-se ”o centro de um escândalo”.

Seu sentido principal era produzir o choque, era escandalizar estética e moralmente o observador, a fim de arrancá-lo violentamente de sua passividade. A partir de então, a estética do choque, ainda que abandonando a virulência original do dadaísmo, fez seu caminho através de numerosas formas de arte, acadêmicas ou não, inclusive no cinema, priorizado por Benjamin.

Na segunda metade do século XX, o grafite traz o princípio estético do choque para as ruas. Não se tratava mais de escandalizar a burguesia frequentadora de museus, mas sim de arrancar os habitantes das grandes cidades de sua usual indiferença e isolamento, sacudi-lo do torpor crônico de consciência em que é arremessado pelo ritmo frenético das metrópoles.

Originalmente ligado a movimentos de contestação, o grafite jamais abandonou o viés crítico e combativo. Quando invade finalmente as ruas das metrópoles brasileiras, nos anos 80, ele se apresenta como o equivalente visual do punk rock, trilha sonora da vida de uma juventude proletária que tentava desesperadamente se furtar a enquadrar-se na dinâmica cruel e impessoal do capitalismo periférico.

Na arte do grafite, a voz dos excluídos e marginalizados se faz ouvir com estridência, nela, tudo aquilo que os poderes constituídos se esforçam por esconder da vista de todos e tudo aquilo que a sociedade recalca e inviabiliza vê a luz do dia de forma esteticamente potencializada. Se o sentido da arte dadá era provocar o escândalo, o do grafite é gerar o incômodo: ele está onde não deveria estar e mostra o que não deveria ser mostrado, e não é apenas pelas alegadas questões de higiene visual que a polícia o combate com tanta violência.

No mural “Inclusão, diversidade e literatura: um encontro necessário”, de Eduardo Kobra, que por decisão da direção da Faculdade de Filosofia e Ciências da Unesp, ocupa, desde o dia primeiro de abril, a fachada da biblioteca do campus, toda aquela contundência e estridência originais do grafite se reduzem a um eco distante e abafado. Os excluídos estão lá, mas não são os seus rostos o que mais se destaca, pois eles se convertem em meros pretextos para mais uma das incontáveis exibições do virtuosismo do artista na criação de padrões geométricos coloridos, cacoete estilístico que se tornou sua marca registrada.

Os excluídos estão lá, mas sua voz real não se faz ouvir. Estão emudecidos, serenos ou risonhos, como se já habitassem o mundo reconciliado e liberto de suas contradições e violências, ou como se vivessem no mundo mágico das campanhas publicitárias de natal das grandes corporações internacionais.

Na arte pasteurizada e previsível de Kobra, a estética do choque deu lugar à estética do marketing, e se antes o grafite era a tradução visual do punk rock, o seu mural soa como Roberto Carlos interpretando Sex Pistols. (Tivemos sorte de não haver borboletinhas coloridas ou unicórnios – se bem que das pias mãozinhas em pose de oração não pudemos escapar…)

Em todo o caso, o mural retrocede do dadaísmo e ressuscita a aura benjaminiana, materializada no cordão de isolamento que o separa do público.

A própria impressionante carreira internacional do artista depõe contra a autenticidade de sua criação. Se ele é convidado a expor sua arte por poderosas fundações, governos e até pela Onu, é porque se sabe de antemão que ela não atentará contra o bom tom, que não revelará nada que realmente possa melindrar aqueles que têm dinheiro suficiente para encomendar seu trabalho.

Com sua exposição na Onu, Kobra se torna o maior exemplo do excluído incluído, pois não há maior signo de inclusão do que expor no lugar onde os maiores causadores da exclusão no mundo se reúnem pra tramar seus negócios.